这类绘画艺术，不是一个“美”字可以解释，甚至有人说他们美时，我们不知道他们在说什么。这些作品引导我们欣赏的路径是：从感观经验、视觉愉悦转向思想观念，转向哲学。但是这类绘画作品的创作也需要艺术家长期的技术训练，如果他们画得海不似海，鱼不像鱼，无论其观念如何，观者可以直接称其为粗糙的作品，当然我们也可以想象，果真画得如此粗糙，他们的观念也呈现不出来。也就是说，这样的绘画作品需要绘画艺术的技艺和训练，艺术家也重视这些艺术形象的逼真传达，但在鉴赏时，绘画技艺会成为一种比较次一级的标准，有时会忽略不计。同样画家在创作这类作品时，也不把逼真再现物象作为最高的艺术追求。这类艺术作品后来衍变为“观念艺术”，达到的一个限度是，一切似乎都可能成为艺术品，只要有一个观念即可。绘画不再需要绘画技艺和训练，人人都可以是艺术家。地上的一个洞，给画布划上几刀，一堆煤、一截水管、一件女人的衣服，都可以是一件观念艺术作品。面对这样的作品，“观看”这种最基本的欣赏方式无能为力了，我们无法通过观看来分辨某物是否具有观念，或者它的观念是什么。绘画或艺术，不断地在逼问我们。
背叛美的艺术越走越远。英国艺术家达明·赫斯特于1990年展出了名为《一千年》的作品：一个真实的牛头，被摆放在玻璃柜内，它正在腐烂、生蛆，里面蚊蝇飞舞。他的目的是让人恶心吗？我们在观看这样的作品时，也的确会恶心。赫斯特要做什么呢？恶心是一种抵制愉悦的丑的方式。艺术史上的确有这样一种安慰人的叙事——美学拯救的叙事——迟早我们会把一切艺术看作是美的；甚至最令人不快的事物（如灾难、疾病、战祸）一旦被艺术地再现，即为美，也就给人带来愉悦。随着时间的流逝，因为不美而被拒绝为艺术的东西，如今被赋予了美的权利，且被证实是艺术。“让人恶心”也是人类的一种特别情感，甚至是人们日常生活形式中的组成部分，艺术为什么要把这种情感排除在外呢？忽视它、排除它，不能等于它就会真的消失，如果这样，何不面对它。赫斯特的《一千年》让我们面对日常生活中不愿面对的东西，他制造了一个空间，走进这个空间的人们，唤起了一种日常生活中不愿面对甚至有意抹去的情感。
四、绘画，终结了吗
从现代艺术走过的路程来看，我们自然而然地会对艺术充满了疑惑，绘画艺术终结了吗？
1839年发明摄影技术时，画家保罗·德拉罗（Paul Delaroche）为自己的绘画作品黯然神伤，他认为自己经过多年艰苦训练获得的技艺经由一个机器装置——照相机就可完成，他宣称“从今天起，绘画已死”。但实际上，绘画并没有消亡，而是走向了另一种探索之路。自从19世纪，绘画艺术家们不断反叛文艺复兴以来确立的绘画艺术标准——逼真地唯美地再现周遭世界。他们向一个又一个绘画艺术边界进攻，追求绘画媒介——画布、颜色、笔触等最大的表现可能性，衍生出纯艺术，正如上文我们说到，走到极端只剩下白色的画布；追求画面的观念意义，衍生出观念艺术，走到极端只剩下了观念，没有了绘画……当艺术家们发现所有的绘画艺术的边界都被攻克时，绘画艺术仿佛也随之而去，1960年代，画家唐纳德·裘德（Donsld Judd）再次宣布：“绘画已经死亡！”
如果我们把绘画艺术理解为再现的艺术，追求似真的效果，并且随着时间的推移会越来越好地、越来越逼真地再现，当摄影和电影证明能够比绘画更好地描绘现实时，这种对绘画艺术的想象或者说对绘画艺术的单一叙事是结束了。但是这里我们还要提示一点，作为一种绘画风格，那种唯美的逼真的绘画从来没有消失，美国唯美写实水彩画家斯蒂文·汉斯（Steve Hanks）在2005年依然被评为“全美顶尖十大艺术家”之一（代表画作：拾贝），只是这种绘画风格不再处于核心地位，甚至很多当代艺术史也不提及他们，我们可以暂且这样说，这种绘画艺术风格逐渐被边缘化，隐没于当代艺术史叙述。如果我们把绘画艺术理解为纯形式的追求或某种观念的传达，当纯艺术和观念艺术走向极端时，一切都归于零的纯粹——白布、黑布、灰布、一时之念，这种对绘画的想象也走到了尽头。当然我们也要提示，单色画和观念艺术还有人在不断地探索，作为一种绘画风格并没有结束，莱恩哈特的全黑绘画，罗伯特·莱曼的全白绘画，丹尼尔·布冉的暗淡的条状绘画，现在依然在展出，这些画家还被称为我们这个时代的“视觉英雄”。
这时我们要问，当下绘画艺术的主流是什么？只要我们走进任何一个现代艺术展厅，就会发现绘画艺术走到今天，已从画布、纸张、颜色包揽一切的架上绘画发展到了多元时代，多媒体、装置等新艺术形式具有了普遍性意义。现在我们走进美术馆看画展，作品五花八门，传统的架上绘画只是其中之一，影像、网络等各种无以命名的新媒介作品也是其中之一。可以说当下绘画艺术没有主流，我们的时代发生了深刻的变化，当人们可以做任何事情的时候，似乎不再会有任何的理由做一件事情而不做另一件事情，我们已经进入了一个多元主义的时期，不存在一个主流的绘画艺术，当然更不存在唯一正确的绘画艺术创作方式。如果我们把绘画艺术理解为只是以画布、纸张、颜色、线条为媒介的艺术，那么这种对绘画艺术的理解在毕加索拼贴画时代就结束了，更不要说，当代画家通过完全不同的媒介手段——音响、摄影、表演、录像、电影、网络、雕塑、装置等等——去进行他们的绘画实践。德国画家博伊斯用肥肉和毛毡、用废旧的印刷机、用树创作艺术作品；还有走得更远的，美国行为艺术家Miru Kim 2011年的作品《我爱猪，猪也爱我》，艺术家裸体和猪在一个小的玻璃房里生活四天，艺术家Miru声称希望通过这件作品淡化人和动物的区别，呼吁人们更多更好地理解这个世界。当然我们还要说，以画布、纸张、颜色、线条为媒介的架上绘画从来没有消失，但只是作为绘画艺术中的一种样式而存在，不再处于一统天下的权威地位。
绘画艺术没有结束，而是由原初的一条大河分流为诸多小溪，由单一追求走向多元探寻，并越来越走进我们的日常生活，数以万计的画廊、美术馆、博物馆被修建起来，那里展出的不仅是经过时间考验的大师们的作品，还有我们当下正在做的作品，我们可以欣赏过去大师们的杰作，我们也对自己时代的艺术感兴趣，甚至只要我们愿意，我们就可以成为自己时代的艺术家。绘画艺术不再单单为了鉴赏家和收藏家，也为我们每个人而存在。所说的“绘画已死”，其“死”去的只是对绘画艺术的各种单一的想象和描绘。
当然，当代绘画艺术的确让我们头晕目眩。由于不再有先验的标准决定绘画艺术必须是什么样子，也不再有如逼真、深刻等统一的评判标准，我们往往无法判明一件于我们陌生的作品是好是坏，甚至无从谈起，但是我们不要急于排斥和轻率下判断，更不能以某件作品来概观整个当代艺术。多元时代，没有哪件作品可以代表当代艺术。这个刚刚绽放的多元空间，正是我们期待新艺术的好时节。艺术千变万化，但依然有助于我们理解我们所居的这个时代。