§§§第51章 音乐符号的由来
你想过是谁第一个提出了音乐的概念，是谁将音乐推广成人们生活中必不可少的一部分，又是谁成为了第一个职业音乐人吗？关于音乐的起源有很多种说法，有的说是掌管音乐的神来到人间，带来了音乐；有的说音乐是人们在劳动中发出的声音，由不同情绪时发出的声音的整理渐渐形成的。不管答案是什么，如果你要弄清楚这个问题，可以在以后的时间里专门搜集资料学习，得到自己的答案。
下面，我们来说说有符号记忆的音乐，也就是有乐谱的音乐是怎么流传到今天的。
在我国古代，记述音乐是采用宫、商、角、徵（音止）、羽五音记法。而在11世纪的欧洲，当时教会里唱赞美诗只有“1、2、3、4、5、6”这6个音。后来，意大利僧侣音乐家归多把圣乐的一首赞美诗每行歌词的第一音依次排列起来，刚好是“六个音阶”，因此，他就用每行歌词的第一个音节“乌来咪发梭拉”来代表六声音阶，“西”是之后加进的一个音。
到17世纪，意大利音乐家布隆契认为第一音名“乌”不响亮，提出换用“多”音，他的意见为许多音乐家所接受，于是“1、2、3、4、5、6、7”就正式成为今天的唱法。
如今，差不多所有的国家都使用五线谱来记谱。在10世纪时，法国有一个叫古罗的音乐家，开始用四条横线表示音的高低，又把当时流行的一种表示音的长短的符号放在四条横线里来记载乐曲，这便是五线谱的雏形。这在当时是一项很了不起的发明，震动了整个欧洲音乐界。罗马教皇听说此事后，把古罗召至罗马，给了他一笔重赏，并让他把罗马教堂所收藏的乐谱一律改为“古罗式记谱法”，也叫“四线谱记谱法”。
到了12世纪，有人把表示音的高低的四条横线改成五条横线，但这样的五线谱仍不完善，如小节线、拍号等符号还没有出现。直到16世纪，五线谱才逐渐完善，和我们现在使用的差不多。
§§§第52章 古典音乐
古典音乐来自西方，英文“classical”有“古典的、正统派的、古典文学的”之意，所以我们将classical music称为“古典音乐”，确切地说，应该是“西洋古典音乐”。
广义的古典音乐是从欧洲文艺复兴时期开始的，从那时起直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族乐派、印象主义直至19世纪末20世纪初出现的现代乐派，甚至包括所有非纯粹娱乐性质的现代专业音乐，统称为“classical music”。
而狭义的古典音乐是把18世纪下半叶至19世纪20年代以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典乐派”的作品特指为“classical music”。我们这本书中讲的音乐，主要部分就是古典音乐，特别是从17世纪直到19世纪末期这样一个将近300年时间跨度内的经典西洋音乐作品，这同样也就是我们所特指的“古典音乐”概念。
提到古典音乐，很多人就会联想到“高雅”、“严肃”等形容词，这可能与古典音乐从业者的形象有关。我们去国家大剧院看音乐会时，发现那里的演奏者都穿着西装，打着领结，女士们都穿着漂亮的礼服。不仅演奏者们非常严肃认真地配合着完成乐曲，整个音乐厅也非常庄重，这样的环境下自然会让人感受到庄严、高雅的氛围。其实，也有不少的古典音乐作品是欢快而活泼的生活的写照，古典音乐正是因为魅力无穷，才一直受人们的喜爱。
§§§第53章 最主要的乐器
我们今天最常见的乐器可以说是小提琴，那它是怎么产生并普及的呢？据说，两千多年前，有一个名叫美尔古里的埃及人。有一天，他在尼罗河畔的沙滩上散步，无意中踩到一个干枯的龟壳，突然，那龟壳发出了美妙的声音。他觉得这种声音非常美妙，便反复试验。后来，他模仿龟壳的形状制出了一种四弦琴般的乐器，并起名“列里”。“列里”不信就在埃及广泛地流传开了。到了11世纪，“列里”经过改良，更名为“微奥列”，按指的地方设有音阶的格子。到了15世纪，意大利人把音阶的格子除去，在光木头上装了四根琴弦。这样，第一把小提琴便诞生了。
几乎每种乐器都有一段故事，例如口琴。1821年的一天，德国有个名叫布希曼的音乐家在托斯恩小城偶然发现一个农家女孩用嘴吹着一把贴了硬纸的木梳，发出的声音非常独特。布希曼眼前一亮，回去后，即根据中国古代笙和罗马笛的发音和吹奏原理，用象牙雕刻成“药丸筒”似的口琴，这就是世界上最早的口琴。
1857年，布希曼在托斯恩创立专制口琴的公司，制造出第一批口琴，并很快销售到欧美各地。到了1885年，经过不断的改进，口琴才具备了现代的特点。
“吉他”是英文“Guitar”的译音，因其多为六根琴弦，故又称为“六弦琴”。
吉他的起源，目前说法不一，但一般认为是14世纪时由阿拉伯的摩尔人传入欧洲的，当时的人们将这种四弦的阿拉伯拨弹乐器称为维忽拉。在吉他的发展中，西班牙这个地中海国家具有举足轻重的地位，正是这里的制琴师与演奏者经过不断的探索和改进，使维忽拉得到很大的发展，更重要的是，他们给这种乐器一个新的名字——吉他。
此外，常见的乐器还有钢琴、中提琴、大提琴、单簧管、双簧管等，这些乐器的背后都有一段逐渐演变的历史，无数的人都曾为今天的乐器的形成作出过贡献。
§§§第54章 不同类型的乐曲
古典音乐分为很多种类型，就像我们的诗歌分为五言律诗、七言律诗、绝句、竹枝词等类型一样。我们在接触的初始阶段重要的是去感受音乐的旋律，无须掌握各种各样的曲式，这里告诉你一些常见的类型，但不代表就是古典音乐的全部类型。
进行曲：一种按步伐节奏写成的乐曲，可在集体行进时演奏。节奏鲜明有力，结构整齐，比如拉德茨基进行曲、义勇军进行曲等。
协奏曲：17世纪时出现，指由一小组独奏乐曲和一小型弦乐队互相竞奏乐器和乐队协同演出的大型乐曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。海顿、莫扎特、贝多芬以及浪漫乐派的许多作曲家均作有大量的独奏协奏曲作品。
奏鸣曲：近代西方音乐中最重要的乐曲体裁之一，一般指一种由三四个各具特色的乐章组成的器乐曲和一种独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲。
交响曲：指交响乐队（大型管弦乐队）演奏的乐曲。管弦乐队通常由弦乐器、大管乐器、钢管乐器、打击乐器四部分组成，交响曲规模比一般奏鸣曲还大，适宜表现出宏伟的意境和磅礴的气势。海顿作有交响曲一百余部，莫扎特作有五十余部，贝多芬的九部交响曲被称为“交响曲的不朽之作”，舒伯特作有《未完成交响曲》等八部。
轻音乐：指轻快活泼、通俗动听、结构简单的音乐，包括具有这些特点的歌曲、舞曲、器乐曲。现代的轻音乐主要是指纯粹由乐器演奏的，没有人声歌唱或人声不占主要位置的音乐。中国作曲家林海、班得瑞乐团都有很多著名的轻音乐作品。
圆舞曲：也就是我们常说的华尔兹，是一种分快步与慢步的三拍子舞曲。特点是节奏轻快、旋律流畅，比较著名的圆舞曲有《春之声圆舞曲》、《蓝色多瑙河圆舞曲》等。
§§§第55章 交响乐队
18世纪前，欧洲就已出现了交响乐队的雏形，当时的乐队以弦乐组为核心，加上几件早期的管乐器，主要用于演奏各种组曲和歌剧序曲。
19世纪，法国作曲家柏辽兹提出将固定的乐器组合分部的想法（弦乐、木管、铜管、打击乐器），这也就是我们今天看到的交响乐队的组成。
1.弦乐器组。
弦乐器组基本上占满舞台的前半部，在数量上占绝对优势，在由100人组成的交响乐队中弦乐器组就有60到70人。弦乐器组包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴四种乐器，这些乐器的形状大致相似，只是体积大小不同，各自的音域也不一样，弦乐器组中的每一种乐器都有一位首席演奏者。
小提琴在弦乐器组中体积最小，音域最高，它的表现力格外丰富多样。因此，小提琴在乐队中总是起着主导作用，它可以称为交响乐队的“心脏”。第一小提琴和第二小提琴一般都排在舞台的左方，第二小提琴列在第一小提琴的后面。中提琴的外形同小提琴一样，但体积稍为大一点。中提琴的声音稍低，不如小提琴那样清丽，但它那不大透明的带点忧郁色彩的音色在乐队中却也是不可或缺的。中提琴在乐队中通常排在大提琴后面斜对着指挥者的地方，人数有8至12人不等。大提琴的外形比小提琴和中提琴要大得多，相当于中提琴的两倍大小，因此大提琴只能竖立在地上，演奏者也只能坐着演奏。大提琴便于演奏宽广的歌唱性旋律，同样也能演奏朗诵式的宣叙调。换句话说，它便于抒发安宁的心境。大提琴一般排在舞台右前方。
2.木管乐器组。
木管乐器组包括长笛、双簧管、单簧管和大管四种主要乐器。此外，这四种乐器又有变形乐器，即短笛、英国管、低音单簧管和低音大管。木管乐器是用精选的木头挖成管状并借吹气以发声的乐器。实际上木管乐器并非全是木质的，现在通常用金属或者有机玻璃制成。木管乐器组一般排在舞台的正中，位于第二小提琴和中提琴的后面。
3.铜管乐器组。
铜管乐器组位于舞台右方中提琴的后面，同木管乐器组相邻，这是由于铜管乐器和木管乐器的音质有共同的一面，表现性能也有一定的近似。该组包括法国号、小号、长号和大号以及它们的一部分变形乐器，如短号和低音长号等。这些乐器因用铜质材料制造而得名。
4.打击乐器组。
打击乐器在乐队中没有独立的意义，它除了一般用以增加乐队音响的光辉和华彩，或者用做声音模仿之外，主要是从节奏上强化乐队的音响，它在节奏方面所起的作用和造成的效果，在整个交响乐队中没有一件乐器可以与它相比。打击乐器组一般排在舞台后沿偏右的地方，位于铜管乐器之后。
交响乐队除了上述四组乐器之外，还时常用到一个或者两个竖琴。竖琴一般位于舞台右方，在中提琴的后面。
§§§第56章 指挥棒的来历
17世纪时，乐队的指挥或用脚在地上有节奏地打拍子、或摇头、或挥动手绢、或敲打铁板，甚至以手杖击地来指挥乐队。想一想，一个音乐家站在指挥台上如此手舞足蹈，是不是有些滑稽可笑呢？这种指挥方法因人而异，如果比较内向的人指挥，因为动作表达不准确，则可能会使效果不佳，让整个乐队乱成一锅粥，但如果太用力，又可能酿成悲剧，如法国音乐理论家卢利曾用铁杖指挥乐队，不慎击伤了自己的足背，后溃烂不治而丧生。
18世纪初，歌剧作曲家哈赛与人合作，在德国德雷斯顿用大键琴指挥演奏，得到非常好的效果。后来，又有人用谱纸卷成棒棍状以指挥乐队。直到1820年，德国小提琴家史博在英国伦敦演奏时，首次使用指挥棒，并得到了德国作曲家门德尔松和韦柏等人的响应。从此，用指挥棒指挥乐队成为必不可少的指挥工具。
§§§第57章 “巴洛克音乐的丰碑”维瓦尔第
你听过《四季》吗？也许你已经听过几百次，但可能不知道那就是巴洛克时期音乐的代表人物安东尼奥·维瓦尔第（1675～1741年）的作品。音乐是一种需要聆听之后才能作出判断的艺术，如果我们没有听过古典音乐，就说自己不喜欢古典音乐，那是非常奇怪的做法。
如果你对古典音乐不熟悉，那么你可以从维瓦尔第开始，一方面，从他开始音乐家的手稿被保留下来，乐器也流传至今，我们可以听到几百年前的音乐的原貌，另一方面，维瓦尔第的音乐非常迷人，他的作品对后世音乐家影响广泛，任何人听过之后都会喜欢上这种的旋律！
维瓦尔第的父亲是名神父，有9个孩子，而安东尼奥就是长子。他自幼学习小提琴和作曲，是一个成功的小提琴手。安东尼奥·维瓦尔第在15岁的时候即行剃发，并且接受了首次世俗圣职仪式，但这并不表示他已当神父，只是为了稍微提高一下自己的社会地位。当18岁接受更高一级的圣职（副助祭）时，维瓦尔第才志心当神职人员。后来，他在居住地附近的两个教区接受了神职教育（神学）并毕业。25岁时，维瓦尔第成为一名神父。
接着他就当上了教堂神父，并且在教堂属下的女童音乐学院中当小提琴教师。维瓦尔第在那里读了一年半的追思弥撒之后就永远放弃了神职工作，但他依然持有神父的地位。从父亲那里遗传得来的头发颜色使得他被称为“红发神父”，很多威尼斯人不知道维瓦尔第，却知道红发神父。
这位音乐家一生的大部分活动都在威尼斯，他担任过指挥、作曲家、音乐教师、音乐总监。维瓦尔第的主要职责是为教养院举办的音乐会提供大量新作品，包括清唱剧和协奏曲。由于这类音乐会频频举行，因此，维瓦尔第的创作速度是相当惊人的，据说他写一部歌剧只需5天时间，而写一首协奏曲的速度竟比抄谱员誊写分谱的速度还要快。但是这些作品直到1940年才被一位法国音乐研究员发现。当时，他的音乐只是作为普通的手稿被藏在城堡和寺院等地，竟被冷落了超过200年！